Felicity Theatre’s unprecedented presentation of the play “Humare Ram”. Today the whole of India is rejoicing over the construction of Ram temple in Ayodhya, at the same time Rahul Bhuchar brought the play ” Humare Ram” to the audience. It is written by Rahul Bhuchar and Naresh Kavayan and directed by Gaurav Bhardwaj. Very beautiful music was used in the play. The songs were written by Alok Srivastava and Ramkumar Singh and composed by Udbhav Ojha and Saurabh Mehta. Well-known Bollywood singer Shankar Mahadevan, Sonu Nigam, Kailash Kher and Ashutosh Rana gave voice to the songs.

This play is an epic in a way whose words have been beautifully woven into a garland. Felicity Theater director Rahul Bhuchar played the role of Shri Ram and well-known Bollywood actor Ashutosh Rana played the role of Ravana while Harleen Kaur Rekhi played the role of Mata Sita. Danish Akhtar was seen as Lord Hanuman, Tarun Khanna as Lord Shiva and Karan Sharma as Surya Dev.

While the audience got engrossed in devotion due to Ram’s dialogue, the audience applauded a lot after seeing the style of Ravana (Ashutosh Rana). While Kailash Kher’s voice created magic in the drama, Ashutosh Rana’s voice also created magic. The audience became engrossed in devotion with the voice of Sonu Nigam.

The special thing about ” Humare Ram” is that this drama exposed many hidden incidents of Ramayana which may not be known to many people. The story started from Luv and Kush’s perspective. All the scenes were shown very beautifully and the entire Ramayana was depicted in three hours. Be it the arrival of Sun God on the stage or the entry of Hanuman on the stage. Shurpanakha got a lot of applause for her acting. The light design was amazing with LEDs. The children played the role of monkeys who are very adept dancers and made their entry with a beautiful and energetic dance. Rahul Bhuchar had laid the foundation of this play two years ago, which came true today and this play got a lot of love from the audience.

The play “Hamare Ram” was staged at Kamani Auditorium, New Delhi from 25 to 28 January.

रामानुजन
— अनिल गोयल

दिल्ली के रंगप्रेमी दर्शक साठ और सत्तर के दशकों से लेकर एक लम्बे समय गम्भीर नाटकों के साक्षी रहे हैं. परन्तु पिछले कुछ समय में हास्य-व्यंग्य के कुछ हल्के और कुछ बहुत सस्ते नाटक ही दिल्ली के रंगमंच परिदृश्य पर अधिकतर छाये रहे हैं. ऐसे में एक गम्भीर नाटक में, विपरीत परिस्थितियों में भी दर्शकों की उपस्थिति बहुत उत्साहवर्धक रही, और इस बात के प्रति आश्वस्त करती है कि दिल्ली में अभी भी गम्भीर नाटकों के दर्शक हैं.
संगीत नाटक अकादमी पुरस्कार से सम्मानित प्रताप सहगल के नाटक ‘रामानुजन’ का हिमांशु यादव द्वारा साहित्य कला परिषद दिल्ली के युवा नाट्य समारोह में प्रदर्शन किया गया. यह इस नाटक का कहीं भी पहला प्रदर्शन था. 12 जनवरी 2024 के दिन, इस नाटक से पहले एक और नाटक एल.टी.जी. प्रेक्षागृह में चल रहा था, जो बहुत लम्बा खिंच गया, और नाटक ‘रामानुजन’ अपने निर्धारित समय से एक घंटे से भी अधिक देरी से प्रारम्भ हो पाया. लेकिन फिर भी हॉल लगभग पूरा भरा हुआ था, जिसे देख कर बहुत सन्तोष हुआ.
हॉल देरी से मिलने के कारण प्रकाश परिकल्पक रमन कुमार लाइट्स भी ठीक से व्यवस्थित नहीं कर सके. लेकिन तो भी, अरविन्द सिंह के मार्गदर्शन में हुए इस नाटक के प्रथम प्रदर्शन ने ही दर्शकों को इतना आकर्षित किया कि अन्त तक भी सभी दर्शक बंधे बैठे रहे.
नाटक प्रसिद्ध गणितज्ञ श्रीनिवास रामानुजन की जीवन-यात्रा की एक झलक है. इसमें पाठकों और दर्शकों को एक बहुत गरीब घर में जन्मे रामानुजन की अद्भुत, कुछ सीमा तक दैवीय प्रतिभा की जानकारी मिलती है. रामानुजन बचपन से ही गणित की अद्भुत प्रतिभा ले कर पैदा हुए थे, जिसे उन्होंने ग्यारह वर्ष की आयु में ही दिखा दिया था! हाई स्कूल में वे गणित के उच्च-स्तरीय सूत्रों, प्रश्नों और अन्य सिद्धान्तों को आसानी से सुलझाने लगे थे. इस समय तक वे अपने साथियों के लिये एक पहेली बन चुके थे, और उनके साथी उन्हें बहुत श्रद्धा की नजरों से देखने लगे थे; हालांकि गणित पर बहुत अधिक जोर देने और अन्य विषयों की उपेक्षा करने के कारण वे उच्चतर परीक्षाओं में सफल न हो पाये! फिर गरीबी के कारण वे अपना समय मद्रास पोर्ट ट्रस्ट में क्लर्क की नौकरी करके गँवाने को मजबूर हुए.
उन्होंने इंग्लैंड में कैम्ब्रिज में वहाँ के गणितज्ञों के साथ पत्र-व्यवहार प्रारम्भ किया. कुछ समय पश्चात उनकी प्रतिभा को पहचानते हुए उन्हें मद्रास के बोर्ड ऑफ स्टडीज इन मैथेमेटिक्स के द्वारा लन्दन जाने के लिए स्कालरशिप दी गई. विषम आर्थिक, सामाजिक और पारिवारिक परिस्थितियों से लड़ते हुए वे जैसे-तैसे लन्दन पहुँचे और अंग्रेज गणितज्ञ जी.एच. हार्डी के संरक्षण में गणित पर अपना शोध करते रहे. लेकिन स्वास्थ्य के बिगड़ने पर उन्हें भारतवर्ष लौटना पड़ा, जहाँ वे बहुत लम्बे समय तक जीवित नहीं रह सके.
नाटक में उस समय की विषम सामाजिक परिस्थितियों, और उनके चलते रामानुजन के संघर्ष को युवा निर्देशक हिमांशु यादव ने बहुत सफलता के साथ दर्शाया है. साथ ही, असाधारण प्रतिभा वाले लोगों के, जो साधारण डिग्रियाँ में कई बार असफल रहते हैं, संघर्ष को भी उकेरा गया है. मद्रास के बोर्ड ऑफ स्टडीज में रामानुजन को स्कालरशिप दिये जाने के प्रश्न पर हुए विचार-विमर्श से यह स्पष्ट नजर आता है. इस दृश्य में निर्देशक ने उस समय की परिस्थितियों के तनाव को दिखाने में सफलता पाई है. परन्तु रामानुजन का संघर्ष यहीं नहीं समाप्त होता, उसे अपने परिवार के उस समय के गुलाम भारत के रूढ़िवादी विचारों से भी जूझना पड़ता है, हालांकि यह शोध का विषय हो सकता है कि रामानुजन की बूढ़ी दादी सबसे पहले उसे विदेश जाने के लिये अनुमति कैसे दे देती है! इन सब संघर्षों के बीच से निकल कर लन्दन जाने, वहाँ के अत्यन्त ठण्डे मौसम के साथ संघर्ष करने, और उस समय पर चल रहे प्रथम विश्वयुद्ध की विपरीत परिस्थितियों में भी, जहाँ उसे शाकाहारी होने के कारण खाने के लिये आलू के अतिरिक्त कुछ और नहीं मिलता, यह सब परिदृश्य रामानुजन के अनेक-स्तरीय संघर्ष को बहुत सुन्दरता के साथ उभारता है! इसी के साथ-साथ लन्दन के अनेक गणितज्ञ उसके काम को समझ न पा कर नकार भी देते हैं. यही चीज ‘स्ट्रक्चर्ड’ और ‘नॉन-स्ट्रक्चर्ड’ अध्ययन के बीच के अन्तर को भी दिखाती है, और भारतवर्ष की पराधीनता की बेड़ियों को भी दिखाती है! ऐसे में प्रोफेसर हार्डी उसके काम को पहचान कर उसका साथ देते हैं, जिससे रामानुजन की समस्याएँ कुछ सीमा तक कम हो पाती हैं!
रामानुजन के रूप में विपिन कुमार ने एक दक्षिण भारतीय व्यक्ति के चरित्र को बहुत अच्छे से जिया है. इसमें उन्हें अन्य सभी कलाकारों का भरपूर सहयोग मिला, जिससे यह नाटक अपनी तमाम समस्याओं और कमियों के उपरान्त भी एक दर्शनीय कृति बन गई. रामानुजन की पत्नी जानकी के रूप में पूजा ध्यानी नाटक का एक प्रमुख आकर्षण रहीं, जिन्होंने हर समस्या में रामानुजन को पग-पग पर सम्भाला! रामानुजन के साथ लन्दन जाने से पहले के समुद्र-किनारे के भावपूर्ण दृश्य की बात हो, रामानुजन से उसके पत्रों का उत्तर न मिलने की बात हो, या फिर रामानुजन की मृत्यु के अन्तिम दृश्य की बात की जाये, पूजा ने हर स्थान पर अपने सशक्त और भावपूर्ण अभिनय से नाटक को गति प्रदान करके दर्शकों को अपनी सीटों पर बैठे रहने को मजबूर किया! अम्मा (प्रज्ञा बैस) और प्रो. हार्डी (अतुल ढींगरा) से लेकर छोटे रामानुजन (भाग्येश कौशिक) तक सभी कलाकारों ने अच्छे से अपने चरित्र निभाये!
भारतवर्ष का हजारों वर्ष पुराना इतिहास, और सांस्कृतिक विविधताओं वाला एक विशाल देश होने के कारण यहाँ इस प्रकार के व्यक्तित्वों पर नाटक लिखने की अपार सम्भावनाएँ हैं, परन्तु उन पर काम नहीं किया गया है. प्रताप सहगल का जीवनचरित्र दिखाने वाला यह नाटक नाटक नये उभरते नाटककारों को इस ओर काम करने के लिये प्रेरणा देगा. नाटक केवल एक व्यक्ति के जीवन की कथा को ही नहीं दिखाते, अपितु वे अपने समय की राजनीतिक, सामाजिक और सांस्कृतिक परिस्थितियों से भी दर्शकों को परिचित करवाते हैं! समाज में बड़े स्तर पर उथल-पुथल मचा देने वाला एक नाटक बांग्ला नाटकार दीनबन्धु मित्र का 1860 में प्रकाशित नाटक ‘नीलदर्पण’ रहा, जिसने न केवल भारत के स्वतन्त्रता-संग्राम को एक नई दिशा प्रदान की थी, बल्कि यूरोप के अनेक क्षेत्रों के किसानों की दशा के बारे में भी चिन्तन को प्रारम्भ किया था.
मुकेश झा के संगीत सयोजन ने नाटक को आगे बढ़ाने में सहयोग दिया. नाटक में दृश्य-संयोजन में कुछ अनुशासन रख कर निर्देशक दर्शकों के प्रति न्याय कर सकेंगे, पूरे मंच पर पूरे समय गणित के फॉर्मूले दिखा कर निर्देशक ने दर्शकों का ध्यान भंग ही किया है. साथ ही, समुद्र-किनारे के रामानुजन और जानकी के बीच के भावपूर्ण दृश्य में भी रामानुजन के हाथों में स्लेट थमा कर निर्देशक रामानुजन के चरित्र के प्रति न्याय नहीं कर पाये हैं. इन एक-दो छोटी-मोटी चीजों के होते हुए भी, अरविन्द सिंह के मार्गदर्शन में एक सुन्दर नाटक की प्रस्तुति देख कर दर्शकों को एक अच्छा नाटक देखने का सुख मिला, इसके लिये अरविन्द बधाई के पात्र हैं!

I am a big fan of filmmaker Sriram Raghavan and after Andha Dhun the expectations were high. His recent film Merry Christmas did not fail to amuse me. It was a rapturous experience to see his film in theatre. Witty dialogs, on screen flirting, old world charm of Bombay (not Mumbai as he wrote in title roll) and a Hitchcockian drama in a Victorian set up is all I needed for a thorough entertainment. However, there is more to it if you see details and feel the film. The screenplay is doubtlessly taut with twists and turns every 15 minutes; there is God in details. The visuals of Victorian Gothic and Art Deco buildings of Mumbai added a splendour. Particularly for people who like Mumbai, this movie is a treat because Bombay seeps into it as a character. With an overtone of Christmas, the choice of cityscape cannot be better than Bombay in whole of India.

I never knew Katrina Kaif has so much left in her in terms of acting and histrionics. In Bollywood and regional films of India an actress is outdated after few years being in her peak. She is generally shown and seen as a Diva and an item number. Most of the actresses are out of business before they hit mid-life. So, in that kind of background Katrina has made a comeback and what a comeback it is!!  Her charm added to her free willy nature of the character and surprisingly her histrionics later on exhibited the violence and cruelty in that character. Vijay Setupathy made “Non-Acting” his acting style. His witty one liners, awkward dance and subtle expressions made my day. His method acting made it a superb watching experience. And I must mention Sanjay Kapoor, who, in a brief role, was hilarious.

The movie is a dark comedy, a Noir film where two lonely souls with chequered past and shades of grey cross paths on a Christmas night and gets locked forever. You may love or hate the ending but last 15 minutes was extraordinary. And now comes the role of Western Classical Music in creating and maintaining the mood of this film.

I have observed earlier in Andhadhun how beautifully Sriram Raghavan used Beethoven’s Symphony no.5 to show the jarring visuals and rapturous moments. Similarly, the background music in “Merry Christmas” was heavily influenced by Western Classical Music. For example, during the gunshot the crescendo of Grieg’s Peer Gynt Suite no 1,“In the hall of the Mountain King” superbly helped to muffle the crime. If you hear this classical music piece you will relate how the slow tempo initially is growing to a thundering crescendo eventually within few minutes. For your reference I am pasting the Youtube link below. If you see the film you can relate to what I mean.

Similarly, to add class, Maria was playing Habanera from Carmen by Bizet. Listen to the video. Ronnie was constantly saying “Oh she is a classy woman.” In India, due to a colonial hangover, anything Western means sophistication and it implies that to enjoy western classical music, Opera particularly one needs good education and sophistication, which is treasured by many. So the Habanera from Carmen is a great choice to exemplify class.

And in the end Vivaldi’s Winter played for almost 10 minutes to the perfection. Starting with the Pizzicato which exemplified the sprinkling of doubt in the police officer’s mind, it moves on to a rise in tempo and tone, where swiftly the hidden things expose fast climaxed with the exchange of ring between two souls with tormented past. There is anxiety, hope, romance, despair, magic realism and baffle in that last 5 minutes superbly portrayed by Vivaldi’s Winter. Nowhere in Bollywood I expected Vivaldi’s Winter to personify the swift changes of human behaviour amidst the movie characters. Sriram Raghavan deserves a special mention for this intelligent use of western classical music to evoke and maintain feelings in a film.

Earlier I have observed use of Western Classical Music pieces in a Satyajit Ray movie or Shyam Benegal movie. For example, Gluck’s Melodie from Orpheus and Euridicce was used in “Jana Aranya” by Ray and he also borrowed Mozart’s Symphony no 25 in Feluda theme in “Joy baba Felunath” or Mozart Symphony “Jupiter” and Requiem mass in songs of “Hirak Rajar Desh e”. Kamaleswar Mukherjee used Beethoven Symphony 5 first movement in his “Meghe dhaka tara”. Shyam Benegal films like Kalyug, Trikal or Mammo used music of Beethoven and Mozart. However, in Bollywood use of Western classical music motifs are few and far. In a refreshing take, Sriram Raghavan has used Vivaldi, Grieg and Bizet in “Merry Christmas” to reflect and set the mood.

Overall, the movie “Merry Christmas” brings a point that “Content is King” in an industry flooded with Jawaans, Pathaans and Animal. Merry Christmas is a thoroughly entertaining movie where you have to sit on the edge not to miss the details. Particularly the edgy ending was something a movie goer will remember for a long, long time. In fact, Merry Christmas opens a new year of pure filmmaking and story telling in Bollywood

_______Biswa Prasun Chatterji.

समीक्षा: अनिल गोयल

लन्दन की गैसलाइट दिल्ली में
1965 के आसपास एक फिल्म आई थी, ‘इन्तकाम’. रहस्य और रोमांच से भरपूर एक क्राइम थ्रिलर. साठ और सत्तर के दशकों में ऐसी अनेक फिल्में आईं… सुनील दत्त और लीला नायडू की ‘ये रास्ते हैं प्यार के’, विनोद खन्ना की ‘इम्तिहान’ इत्यादि. फिर फिल्मों का यह जॉनर या श्रेणी समाप्त हो गई. बाद में टेलीविजन पर ‘करमचन्द’ के नाम से जासूसी सीरियल आया, परन्तु उसमें भरा मसखरापन उसकी गम्भीरता को प्रभावित करता था. उसके कुछ समय बाद एक लोकप्रिय धारावाहिक ‘ब्योमकेश बख्शी’ आया, जो एक बंगाली कहानी पर आधारित था. दिल्ली के अंग्रेजी रंगमंच पर तो ऐसे क्राइम थ्रिलर लगातार खेले जाते रहे हैं, परन्तु हमारे हिन्दी रंगमंच पर ‘क्राइम थ्रिलर’ की विधा को बहुत कम प्रयोग किया गया है.
राष्ट्रीय नाट्य विद्यालय (रानावि) के तीसरे वर्ष के विद्यार्थी शेखर काँवट ने अपनी पढ़ाई पूरी होने के बाद, ब्रिटिश उपन्यासकार और नाटककार पैट्रिक हैमिल्टन के क्राइम थ्रिलर नाटक ‘गैसलाइट’ को अपनी डिप्लोमा प्रोडक्शन के लिए मंचित किया. इसका हिन्दी में अनुवाद प्रियम्वर शास्त्री ने किया है.
बहुत वर्षों से रानावि में डिप्लोमा प्रोडक्शन के लिए प्रयोगात्मक या एक्सपेरिमेंटल थिएटर, अथवा सीन-वर्क ही प्रस्तुत किया जाता रहा है, या फिर ‘डिवाईज्ड’ प्ले… पूरा नाटक करने की क्षमता वहाँ के विद्यार्थी बहुत कम प्रदर्शित कर सके. सीन-वर्क विद्यार्थियों के प्रशिक्षण का एक हिस्सा हो सकता है, किसी विद्यार्थी की नाटक को दर्शकों के सामने प्रस्तुत करने की क्षमता को वह नहीं दरशा सकता. तीन वर्ष की स्नातकोत्तर पढ़ाई करने के बाद प्रयोगात्मक या एक्सपैरिमैंटल नाटक, ‘डिवाईज्ड’ प्ले या सीन वर्क को डिप्लोमा प्रोडक्शन के रूप में सामान्य जन-दर्शकों के सामने प्रस्तुत करना उस विद्यार्थी की क्षमता को सार्वजानिक रूप से प्रदर्शित करने से रोकना ही कहा जा सकता है! साथ ही, दर्शकों ने भी ऐसे ‘नाटकों’ से अपने को धोखा खाया हुआ ही अनुभव किया है, जिससे दर्शक रंगमंच से दूर ही हुए हैं.

ऐसे में शेखर काँवट के द्वारा अपने में एक सम्पूर्ण नाटक का प्रस्तुत किया जाना चाहे एक नई परम्परा का निर्माण कर रहा है, या फिर एक पुरानी, भुला दी गई परम्परा को फिर से जीवित कर रहा है, लेकिन वह दर्शकों के लिए एक सुखद अनुभव अवश्य रहा. और नाटक तो दर्शकों के ही लिए होता है. डिजाईन, एक्सपैरिमैंट, ‘डिवाईज्ड’ प्ले या सीन वर्क सामान्य दर्शक के लिए नहीं होते.
और शेखर ने इस नाटक को प्रस्तुत करते समय दर्शकों के प्रति अपनी जिम्मेवारी को पूरी सफलता के साथ निभाया है. नाटक की कहानी लन्दन की एक धुंध भरी सन्ध्या में एक समृद्ध व्यक्ति जैक के घर की है, जिसमें जैक अपनी पत्नी को पागल सिद्ध करना चाहता है. उस घर में पहले भी एक हत्या हो चुकी है. अब से लगभग डेढ़ सौ वर्ष पूर्व उस समय पर, लन्दन में सन्ध्याकाल में घर की बत्तियाँ या लाइट्स गैस से जलती थीं, और वही सांयकाल की चाय का भी समय होता था… उसी से पैट्रिक ने अपने नाटक का नाम ‘गैसलाइट’ रखा.
नाटक में लाइट्स शेखर ने स्वयं डिजाईन की थीं, जिनका ऑपरेशन शेखर की सहपाठी पस्की ने किया. लाइट्स, कॉस्टयूम, सैट्स, दृश्य-परिकल्पना, पोस्टर और निर्देशन, सभी कुछ शेखर काँवट का था. नाटक में एक अच्छी चीज रही धुएँ का कम से कम प्रयोग – धुंध भरी सन्ध्या का दृश्य होने पर भी, शेखर ने धुंध दिखाने के लिये केवल प्रारम्भ के कुछ क्षणों में ही धुएँ का प्रयोग किया था, उसके बाद फिर नहीं किया. अकारण मंच पर धुएँ का प्रयोग न केवल दृश्य को अनचाही छद्मता प्रदान करता है, बल्कि हमारे रंगकर्मियों के स्वास्थ्य को कितनी हानि पहुँचा रहा है, यह उन्हें समझना होगा!
एक अचम्भित कर देने वाला परिवर्तन विद्यार्थियों के इस वर्ष की पहली डिप्लोमा प्रस्तुति में नजर आया, और वह था प्रस्तुति में बाहर के विशेषज्ञों के ‘मार्गदर्शन’ का प्रयोग न करना. डिप्लोमा किसी विद्यार्थी की उसके परिक्षण-काल की अन्तिम परीक्षा होती है… ‘पासिंग आउट ऑफ ए ग्रेजुएट’. और परीक्षा में तो यही देखना होता है कि विद्यार्थी ने अपने तीन वर्षों में यहाँ क्या सीखा. उसमें यदि वह सभी बाहर के विशेषज्ञों के सहयोग या ‘मार्गदर्शन’ के द्वारा ही अपना काम दिखा रहा है, तो फिर कैसे यह समझा जायेगा, कि उसने स्वयं ने तीन वर्षों के प्रशिक्षण में क्या सीखा? इस बार विद्यालय की ओर से विद्यार्थियों को कहा गया कि अपने डिप्लोमा के लिये वे नाटक को स्वयं ही तैयार करेंगे; उन्हें जो भी सहायता रानावि से चाहिए, वह उन्हें मिलेगी, लेकिन डिप्लोमा के नाटक को उन्हें स्वयं अपने से ही तैयार करना होगा. बाहर की तकनीकी सहायता यदि कहीं आवश्यक है, तो वह मिल सकेगी, लेकिन बाहरी मार्गदर्शन इत्यादि नहीं होंगे! पता चला है कि अभ्यास के समय पर विद्यालय के अध्यापक रिहर्सल में आकर बैठते थे, उसका निरीक्षण करते थे. इसी के चलते, इस नाटक में केवल ध्वनि प्रवाह या साउंड डिजाईन के तकनीकी काम को सन्तोष कुमार सिंह ‘सैंडी’ ने किया (जिन्हें पश्चिमी संगीत पर अच्छी पकड़ है), बाकी सभी काम इन विद्यार्थियों ने स्वयं किये! और उसके सुखद परिणाम निकले… दर्शक, जो किसी भी नाटक की सफलता के सर्वोच्च निर्णायक होते हैं, इस नाटक से बहुत प्रसन्न नजर आये… जिनके लिये, शेखर कहता है कि उसने यह नाटक तैयार किया था! नाटक में दर्शक के प्रति शेखर की निष्ठा स्पष्ट नजर आती थी, “इंटेलेक्चुअलिटी से दूर रह कर मैंने यह नाटक तैयार किया था; मैं ऐसा नाटक नहीं बनाना चाहता था जो दर्शकों की समझ में ही ना आये”! इसीलिये मैंने नाटक के बाद किसी दर्शक को शेखर को रंगमंच का तारेंतिनो कहते हुए सुना!
इस परिवर्तन के लिए राष्ट्रीय नाट्य विद्यालय के नये निदेशक चित्तरंजन त्रिपाठी विशेष रूप से अभिनन्दन के पात्र हैं. वे स्वयं यहीं से पढ़े हुए हैं, और बहुत सारी चीजों की आवश्यकता और अनावश्यकता को गहरे से समझते हैं. इस प्रकार का परिवर्तन लाने के लिये अकादमिक परिषद को तैयार करना अवश्य ही कठिन रहा होगा. आशा है कि भविष्य में विद्यालय में और भी अनेक अपेक्षित परिवर्तनों को वे ला सकेंगे. इस प्रकार के परिवर्तन से शेखर को स्वयं भी प्रस्तुति के समय पर बहुत मन्थन करना पड़ा, लेकिन परिणाम सुखद ही रहे!
नाटक के मंच की परिकल्पना दो-मंजिला बॉक्ससैट के रूप में की गई थी, जिस का प्रयोग बहुत कठिन होता है. रॉबिन दास, राजेश बहल जैसे गिने-चुने सैट-डिजाइनर्स ही इस प्रकार के प्रयोग कुशलतापूर्वक करते रहे हैं. परन्तु शेखर ने बहुत कुशलता से इस तकनीक का प्रयोग करके इस नाटक को लुभावना बना दिया. शेखर का लाइट्स का प्रयोग भी सुन्दर था, जिसमें दर्शकों की आँखों पर बहुत कम प्रकाश आ रहा था. एक अच्छी बात यह रही, कि शेखर ने इस नाटक को हिन्दी में प्रस्तुत करके भी इस अंग्रेजी नाटक को “रूपान्तरित” करने का प्रयास न करके नाटक को उसके मूल स्वरुप में प्रस्तुत करने का जोखिम उठाया, जिसकी स्वीकार्यता कठिन होने का खतरा था. लेकिन दर्शकों ने नाटक को बहुत सराहा!
नाटक की सबसे सुन्दर चीज थी इसके अभिनेताओं का अभिनय! जैक की युवा पत्नी बेल्ला के रूप में प्रियदर्शिनी पूजा ने सबसे अधिक प्रभावित किया. अपनी पत्नी को पागल बना देने का षड्यन्त्र रचने वाले एक धनी और क्रूर व्यक्ति जैक के रूप में मनोज यादव का अभिनय भी किसी से कम नहीं था… उसके लम्बे बालों ने सचमुच जैक के चरित्र को ठीक से उभारने में मदद की. पुलिस अधिकारी रफ के रूप में अमोघ शाक्य ने सभी दर्शकों को प्रभावित किया. घर की सहायिकाओं के रूप में आईशा चौहान और अंजली नेगी ने भी छोटी भूमिकाएँ होने के उपरान्त भी अपनी उपस्थिति सशक्त रूप से स्थापित की, विशेषकर ऑपेरा-गायन के द्वारा, या फिर घर के मालिक के साथ के अपने प्रेम-प्रसंग को लेकर. पुलिस के सिपाही के रूप में सौरभ पांडे और सुनील थे. अपने सैट्स और प्रकाश-परिकल्पना, तथा कलाकारों से ऑपेरा के गायन का प्रयोग करवा कर शेखर ने नाटक में ब्रॉडवे का वातावरण निर्मित कर दिया था!
रानावि से निकलने के बाद शेखर की आगे की राह क्या रहेगी, यह तो कैसे जाना जा सकता है! लेकिन इस नाटक के रूप में प्रदर्शित उसकी अपने काम में कुशलता उसके अपने और उसके सभी साथियों के उज्जवल भविष्य की परिचायक तो है ही!

The departure of Ustad Rashid Khan leaves a void in the realm of Indian classical music, casting a shadow of sorrow and emptiness that will endure for a considerable time. Rashid Khan, synonymous with the ethereal world of ‘Anya Ek Bhuban,’ crafted by his resonant and masculine voice, embarked on an enchanting musical journey, seamlessly navigating from one note to another—a phenomenon known in the musical lexicon.

The mere mention of Rashid Khan conjures up a nostalgic image. Thirty-two years ago, on a chilly January evening, I left Tollyganj’s studio and found solace on a roadside tea shop bench, accompanied by cinematographer Kamal Nayak and film director Arun Guhathakurta. At the other end of the bench, a young man joined us. Kamal Nayak inquired, ‘Have you heard of Rashid Khan?’ Back then, he wasn’t yet ‘Ustad Rashid Khan,’ but his fame was burgeoning. Though I had encountered his name in Desh magazine’s music reviews, I did not get an opportunity to experience his highly lauded singing. We struck up a conversation, and over a cup of tea, we acquainted ourselves. Politeness adorned his demeanour, and after a brief encounter, we each resumed our places. Later, I discovered that he studied music at the Music Research Academy, residing with the renowned Ustad Nisar Hussain Khan across the street.

Months after our meeting, Rashid Khan’s vocal performance in an audio cassette, featuring Raag Bageshri and Desh, hit the shelves. In response to our encounter, I purchased the cassette—a delightful experience. His voice, youthful, humble, and enchanting, resonated with a subtle echo of Pandit Bhimsen Joshi’s energy, Ustad Aamir Khan’s solemnity, and Ustad Nisar Khan’s Tarana’s rapid pace. Yet, amidst these influences, Rashid Khan’s voice possessed a distinct identity, brimming with new energy.

In a concise span, Rashid Khan left an indelible mark on the music industry—successive gramophone records, and live concerts domestically and internationally—thrusting him into the limelight among his generation’s talented musicians. Pandit Bhimsen Joshi heralded him as the future of Indian classical music. His desire to break free from the traditional ‘Gharana’ constraints set him on a journey to explore the expansive world of music, incorporating Sufi influences. He ventured into creating new melodies, even lending his voice to classical songs in films, such as ‘Kahe Ujari Mori Nind’ and ‘Tore Bina Mohe Chen Nahi.’

Rashid Khan’s enthusiasm extended beyond film songs; he collaborated with popular Bengali singer Nachiketa to experimentally sing Rabindra Sangeet. Their rendition, based on Raags, with interludes featuring Ustad’s ‘bandis,’ showcased a unique approach, distinct from previous interpretations by Pandit Ajay Chakraborty and Swagatalakshmi Dasgupta. Among his notable achievements was his Krishna Bhajan for Times Music. He often performed in duets with Pandit Bhimsen Joshi, including Bhajans. These bhajans not only reflected the influence of Joshi but also showcased the positive effects of that association.

Recognized by the government with the Padma Shri and Padma Bhushan awards, Rashid Khan achieved success, and honours, and, tragically, departed at a relatively young age—a reality difficult to accept.

Having witnessed several live performances, I regret not having had the chance to meet him except once at the Kolkata airport. A brief interaction revealed his affability, especially upon noticing ‘Aakashbani’ on my visiting card. Classical musicians, it seemed, felt a closer connection when reminded of Aakashbani.

Rashid Khan, initially disinterested in music as a child, imparted his musical knowledge to his son Armaan from a young age. Armaan, emerging as a talented singer and accomplished guitarist, undoubtedly carries the influence of his father.

As the stars extinguish, their brilliance magnifies in the darkness.

Natsamrat staged four different plays at Creative Adda Auditorium, Versova, Andheri (W), Mumbai where the plays were greatly appreciated by the audience.

The first play, “Kuch Tum Kaho Kuch Hum Kahein,” written by Ashish Kotwal, was performed on January 6th at 7:00 PM at the Creative Adda Auditorium, Versova, Andheri West, Mumbai. The play revolves around two individuals, an elderly doctor, Dr. Anand, who has created a small world for himself through his profession, and a lively woman named Manasi, who enjoys life in her unique way. Despite their different perspectives on life, Dr. Anand has closed the doors to happiness, while Manasi, having endured her sorrows, strives to move forward and embrace life. The main actors, Vivek Sharma and Munmun, displayed a captivating chemistry on stage, alternating between witty banter and providing support to each other. The behind-the-scenes team, including director Shyam Kumar, lyrics by Rakesh Kodinya, Singer Ishan Tyagi, stage manager Sunil Rathore, stage properties by Suraj Singh, make-up by Payal Rani, costume by Chhobi Saha, Sound operated by Aman and other back stage team, contributed to the success of the play.

On January 6th at 8:15 PM, the second play, “Besahara Aurat,” written by Anton Chekhov and directed by Fareed Ahmed. The story, featuring Munmun in the lead role and Vivek Sharma as the bank manager, Assistant played by Jagbir Choudhary and Helper by Aman was filled with laughter and poignant moments. Stage Management by Vishwajeet, stage property by Lokesh, make-up by Raj Rani, Light Design by Natsamrat’s director Shyam Kumar. The play showcased the sweet and sour exchanges between the main characters, leaving a lasting impression on the audience. Shyam Kumar, the director of Natsamrat, brought this beautiful play to the Mumbai audience.

As part of the “Fourth Mumbai Theatre Festival” by Natsamrat on January 9th, two plays were staged. The first play, based on Harishankar Parsai’s story titled “Nithalla,” adapted by Kuldeep Kunal & Directed by Nagender Kumar Sharma, was presented as a solo performance by own Nagender Kr. Sharma, receiving much appreciation from the audience. The story revolves around an idealistic person, Nithalla, who dedicates his life to selfless deeds, challenging the societal trend that recognizes only those who work for their own gain.

The second play, “Veer Savarkar,” written, enacted, and directed by Nagendra Kumar Sharma, depicted the journey of Savarkar in the struggle for independence. The emotional portrayal of Savarkar’s sacrifices left the audience moved. Both plays were presented with the support of Haryana Kala Parishad.

In conclusion, the “Fourth Mumbai Theatre Festival” organized by Natsamrat showcased a variety of plays, each leaving a distinct impact on the audience. The meticulous direction, powerful performances, and thoughtful themes made the festival a memorable experience for the Mumbai audience. Shyam Kumar, the director of Natsamrat, and the entire team received well-deserved appreciation for their efforts in bringing quality theatre to the city.

A review by Manohar Khushalani for IIC DIARY

Daklakatha Devikavya is an open ended play performed in an engagingly
informal folk style, evolved from the epic poetry and stories of K.B. Siddaiah’s .
It was Directed by Lakshman K.P. It presents the inner workings and external
experiences of the Daklas — a Dalit community.
 
Presented by Jangama Collective, Bengaluru with Bindu Raxidi (Dakla Devi,
Kadiramma); Santhosh Dindgur (Dakla, Cheluvaiah)l; Bharath Dingri (K.B.
Siddiah & narrator); Narasimharaju B.K. (Narasappa); and Ramika Chaithra
(Gangavva, Munivenkatamma)
 
Accompanists who also added tone and tenor to the performance were: Poorvi
Kalyani & Skanda Ghate (vocal); Bharath Dingri (tamate); and Narasimharaju
B.K. (arevadya)

The setting of the play had flower sellers squatting in the background and
rising in turns as actors with robust voices. The traditional Folk device, a half
curtain, known as, Yavanika, was used to introduce the important characters.
The actor would peep over the curtain which was lowered after he started
speaking or singing.

The most important aspect of the performance was that it
retained the spiritual richness of the Dakla community, through its music. Two
of the characters appear on the stage playing tamate (hand drum) and
arevadya (urmi), instruments not seen in contemporary theatre. Daklas are
people who are protected by the untouchables and hence are still lower in the
social hierarchy. But whatever notions people have about Adivasis or Daklas
being a backward community, better revise them forthwith. First of, the
female roles were done by women and not female impersonators. These
women unhesitantly lighted beedis, and were not coy about using cuss words,
which is true to their life. It is also true of contemporary OTT films, which claim
to be more modern and truer to our life.

The author had a strong faith in mysticism as exemplified by his poetry which
was the soul of the performance:

O mother as you rock the world
And rock the child
Bear me again in your womb
Walk this infant from the cave of your vagina
Into the cave of contemplation.

Here in the above context the poet brings out that once the mother bears him
in her womb the stigma of untouchability will not be so strong. One recurring
metaphor that has remained constant is hunger. The poet throws a direct
question to the creator:

O God! Take birth like me
Then
Try to touch and be polluted!
Try to take like me, like me take birth!

Untouchability does not generate self-pity in the play, in fact it is an instrument
of self-awareness and enlightenment. Sheer magic was created in the dark
night by luminous display of improvised spinning fire wheels urns with radiant
charcoal cinders. All elements in the play contributed to an experience of a
magical night to remember.

Watch the entire play on You Tube:

The article as published in IIC Diary (Oct-Nov 2023)

समीक्षा — अनिल गोयल
मराठी और बंगाली रंगमंच से आक्रान्त होने की सीमा तक प्रभावित रहे हिन्दी रंगमंच में कुछ चरित्र, विशेषकर भारतीय इतिहास, संस्कृति और धर्म से जुड़े हुए लोग किनारों पर ही रहे… जिसमें विभिन्न विचारधारावादी बौद्धिकों का बहुत बड़ा योगदान रहा. हालांकि, हमारे फिल्म-जगत ने ऐसे अनेक व्यक्तियों पर फिल्में बनाईं. स्थिति में परिवर्तन आने से, नकार दिये गये ऐसे कुछ चरित्र अब रंगमंच के प्रकाश-पुंज की परिधियों में आ रहे हैं.

ऐसे ही एक महान संगीत-नायक बैजू बावरा के जीवन पर 2024 के जनवरी माह की चौथी तिथि को अरविन्द सिंह चन्द्रवंशी ने अपना नया नाटक ‘बैजू बावरा’ दिल्ली के श्रीराम सैंटर में गाँधी हिन्दुस्तानी साहित्य सभा के सौजन्य से प्रस्तुत किया. नाटक का लेखन विशाल सिंह और अरविन्द सिंह ने किया है.

यह नाटक एक बार फिर से इस बहस को जन्म देता है कि क्या उन व्यक्तियों का कोई अस्तित्व कभी रहा होगा, जो राजदरबारों में नहीं रहे, जिनका उल्लेख राजाओं-बादशाहों के द्वारा लिखवाये गये इतिहास में नहीं है, और जिनकी भव्य राजसी समाधियाँ या मजारें नहीं बन सकीं! ऐसे अनेक ऐतिहासिक लोगों के योगदान को उनके अपने क्षेत्रों के दिग्गज तो स्वीकार करते हैं, परन्तु हिन्दी रंगकर्मी अपनी दृष्टि उन दिग्गजों तक नहीं पहुँचाना चाहते. एक वर्ग कुछ गैर-ऐतिहासिक चरित्रों पर ‘अनारकली’ और ‘मुगले आजम’ जैसी फिल्में बना लेता है. परन्तु दूसरा वर्ग तुलसी, मीरा, सूरदास, रसखान, बैजू बावरा, शिवाजी, महाराणा प्रताप, नेताजी सुभाषचन्द्र बोस और इन जैसे अनगिनत महान चरित्रों को गुमनामी के अन्धेरों में खोये रहने को ही विवश करता आया है.

इस बहस से बाहर निकल कर, आज के काल के हिन्दी रंगमंच के परिदृश्य में, अत्यन्त सीमित साधनों में इस प्रकार के एक ऐतिहासिक नाटक को करना साहस का नहीं, अपितु दुस्साहसिक कृत्य ही कहा जायेगा! अरविन्द की इस नाटक की यह पहली प्रस्तुति थी, जिस कारण से इस प्रस्तुति से बहुत अधिक अपेक्षाएँ की भी नहीं गई थीं. और एक संगीतमयी नाटक में सबसे पहली आवश्यकता होती है गायक-अभिनेताओं की. आज की तिथि में दिल्ली में गायक-अभिनेताओं की खोज करना रेगिस्तान में पानी ढूँढ़ने के समान ही होगा. पर्वतीय कला केन्द्र से जुड़े कुछ रंगकर्मियों को छोड़ दें, तो बाकी अभिनेता और अभिनेत्रियों को इस विषय में कोई विशेष दक्षता प्राप्त नहीं है. ऐसे में, इस नाटक का क्या भविष्य होगा? इस प्रश्न का उत्तर तो भविष्य ही दे पायेगा! हाँ, अभिनेताओं ने अपनी ओर से भरपूर मेहनत करके नाटक के विषय को दर्शकों तक पहुँचाने में कोई कसर नहीं छोड़ी.

इस नाटक में मंच-आलोकन ने निराश ही किया… आज यदि रंगमंच के प्रकाश-आयोजक नृत्य के लिये बनाई गई लाईटें नाटकों में प्रयोग कर रहे हैं, मंच के पीछे से दर्शकों की ओर को, उनकी आँखों पर प्रकाश फेंक रहे हैं, जर्क या झटके के साथ प्रकाश को खोल और बन्द कर रहे हैं, अकारण ही पूरे नाटक में धुएँ का प्रयोग कर रहे हैं, तो वे रंगमंच को हानि ही पहुँचा रहे हैं. रंगमंच एक सामूहिक प्रक्रिया है. यदि प्रकाश, संगीत, परिधान इत्यादि किसी भी क्षेत्र का व्यक्ति एकाधिक बार रिहर्सल में आ कर विषय को समझने की चेष्टा नहीं करता, तो नाटक कैसे उठ पायेगा? आज मुम्बई में फिल्म इंडस्ट्री में भी, गानों के गायन के समय पर इस सामूहिक प्रक्रिया को एकल बना दिया गया है, जहाँ पहले से रिकार्डेड ट्रैक्स हैं, एक गायक आते है और गा कर चला जाता है, फिर कभी और, दूसरा गायक आता है और अपनी पंक्तियाँ गा कर चला जाता है, तो उस गाने में भाव और फिल्म के दृश्य के लिये आवश्यक कोमल संवेदनाएँ कैसे पैदा होंगी? बहुत सुनियोजित तरीके से हिन्दी फिल्म संगीत की हत्या की जा रही है. आशा है कि दिल्ली के रंगकर्मी इससे कुछ सीखेंगे और अपने काम को एक सामूहिक प्रक्रिया के रूप में ही स्वीकार करेंगे… अन्यथा दिल्ली के रंगमंच के दरवाजे सदा के लिये बन्द हो जाने वाले दिन शायद बहुत दूर नहीं होंगे!

एक अछूते विषय को लेकर नाटक करने के लिये अरविन्द सिंह को फिर बधाई!

The husband-wife relationship is considered to be the most sacred in the world. Love and trust bind both, but many times husband and wife quarrel by finding shortcomings in each other and a third takes advantage of it. Something similar was seen in Anuragna Theatre Group’s presentation “Couples Shuffle“, written and directed by Ashraf Ali. The play was performed on December 24 at Black Canvas, L.T.G. Auditorium, Mandi House, New Delhi-01.

Sharma ji (Chirag) house where he lives with his wife (Shruti Aastha) Chawla. There is always a tussle between the two over small things. Meanwhile, their neighbor Dubey (Bilal Khan) enters, who tries to take advantage of the conflict between those husband and wife and put a string on Shruti. Meanwhile, Maya (Manisha Sharma) enters. Sharma ji is very impressed by seeing Maya and tries to increase friendship. This dilemma goes on for a long time and finally it is revealed that Dubey and Maya are husband and wife, and they came to Sharma ji’s house to investigate them in search of the Best Couple Award in which both of them failed.

Amidst laughter, this play also gives a message to the audience that ‘husband and wife should never leave each other in any situation and should maintain trust in each other’. Chirag played his character well in the role of Sharma, as well as his wife Shruti’s character had many shades, which she succeeded in keeping in front of the audience. In the role of Dubey, Bilal Khan kept the entire drama tied with his acting and put many laughs in it, as well as the performance of Manisha Sharma in the role of Maya was also praise worthy.

Behind the stage were Goldie in the music, lighting was done by Manik Sharma, Kamal Negi was in the costumes and Ankit was in the stage material as well as Shamsher Khan and Avinash Tiwari in the set.

Evergreen Asha Bhosle when she was younger

First Published in THE AIDEM (theaidem.com)

Asha Bhosle, the most charismatic female exponent of the Hindi film song (from the late 1940s to the early 1980s) when it became an independent art form, turned Ninety on 8th September, 2023. She has sung thousands of songs in good, bad an indifferent films, principally in Hindi, where her singing has been the leading attraction. This is indeed high compliment as she has always been compared to her elder sister Lata Mangeshkar, who, in her prime years between the late 1940s to, the early 1980s, was the most tuneful or ‘Sureela’ of all woman singers in Hindi films, or films from any other part of India. Asha, however won out because of her versatility and the ability to conjure up a wide range of feelings and experiences that belonged to this flesh and blood world.

Her singing at first was not so different from that of her elder sister, a style she adopted or was made to adopt by certain music directors in order to sound like her thin-voiced but extremely mellifluous elder sister Lata. Not until O.P. Nayyar (1926–2007) came along, was she able to find her musical self. He reportedly told Asha, “Tum apni awaaz main gao (sing in your own voice)”. Nayyar saw to it that she did her riyaz (practise) every morning in her natural voice which was distinctly darker than her sister Lata’s and intrinsically sensual. But before O.P. Nayyar came along she had sung two non-film songs that still linger in the memory: “Geet kitni gaa chuki hun is sukhi jag ke liye” and “Ambua ki dari bole….”, both composed by the brilliant, mercurial table maestro Nikhil Ghosh.

Strangely enough in 1953, when Lata her elder sister was already famous, Asha was offered three solo songs by a gifted, young composer, Mohammad Zahoor Khan ‘Khayyam’ for Footpath, a film directed by Zia Sarhadi and Starring two powerful young performers, Dilip Kumar and Meena Kumari. It was said that Lata wanted to sing those three solos but young Khayyam stood firm backed by his director. ‘Piya aaja re’, ‘Kaise jadoo dala re’ and ‘So jaa mere pyare’ sung by Asha Bhosle are still remembered along with Talat Mahmood’s immortal “Sham-e-gham ki qasam”.

Soon after the brilliant composer Madan Mohan, a Great Lata fan, got Asha to sing a ghazal written by Jalal Malihabadi, “Saba se ye keh do” for the film, Bank Manager. Asha’s rendering had both empathy and romance. As a singer she had arrived. But the contracts for solo songs were not that many. Earlier in Sangdil, 1952, a Dilip Kumar—Madhubala starrer, a composer of genuine originality, Sajjad Hussain, had got Asha to sing a duet with Geeta Dutt, an unusual talent. “Dharti se dur gore badalon ke paar aaja”. It was a haunting duet with Asha showing both vocal range and a timbre that could be called tactile. It was a voice destined to stay in the memory of the listener.

It took Asha a fairly long time to establish her identity as a truly fine soloist, despite earning respectable sums of money. Lata held sway over the film music world as a soloist, with her obviously formidable musicality and by sounding like a ‘virgin’. A musical approach that seemed to fit the image of all the leading ladies who were there to shore up the moral quotient of Hindi films and were thus curtailed emotionally, leaving the male leads to indulge in their peccadillos!

It was Nayyar, whose career was in the ascendant who worked hard to project Asha as a solid, reliable soloist. In Shakti Samanta’s Howrah Bridge (1957) he promoted her as the voice of Madhubala, the reigning Queen of Hindi films and its only comedian. in “Aaye meherban”, Asha’s sensual singing picturised on Madhubala in a Cabaret sequence, made her sparkle. Then was the snappy, melodious solo, “Ye kya ker dala tuney” that made the most recalcitrant of cynics respond to the romance in the words and the music. In the same year Nayyar repeated his success with Asha in Nazir Hussain’s Tumsa Nahi Dekha. Her two duets with Mohammad Rafi were instant hits, namely, “Aye hain dur se….”, “Dekho kasam se kasam se”. Around that time, Sachin Dev Burman, created a moving solo for Asha in Bimal Roy’s Sujata, “Kali ghata chaye mora jiya ghabrae” mirroring the longings of an Untouchable orphan girl played by Nutan.

S.D. Burman had a falling out with Lata Mangeshkar, but ego forbade him to give in. Kala Bazar produced by Navketan and directed by Vijay Anand, had Asha singing “Sach hue sapne mere”. No female singer had sung with such abandon in Hindi films before, perhaps because the Heroines, with the notable exception of Madhubala, and Geeta Bali, who died well before their time, the only two who got roles to also express the sunny side of their personalities.

S.D. Burman got Asha to sing four solos in Narendra Suri’s, Lajwanti “Kuchh Din pehle…”, “Chanda re chup rehna”, “Gaa mere mun tu gaa” and “Koi aaya dhadkan kehti hai”, are all sung with depth and feeling and picturised on Nargis, an exceptional actress. They continue to be played on the Radio and on YouTube, surprising those young listeners are who responsive to the beauty of Indian melodies that enunciate and augment the lyrics that are set to them.

Two other solos recorded almost a decade apart  come to mind : ‘’Main jab bhi akeli hoti hun’’ from Dharamputra (1962) composed with elegance and poise by N Dutta, and, ‘’Mein shayad tumhare liye ajnabi hun’’, a haunting melody composed by O P Nayyar for Ye Raat Phir Na Ayegi.

 Contemporary composers, to be sure, had been aware of Asha’s potential and the expressive quality of her voice. However, they were not going to challenge the preference of film producers and financiers who were completely taken in by the virginal sweetness of Lata Mangeshkar’s voice and her unassailable technique. Asha would have to prove herself in duets (and did she!) She sang with Kishore Kumar in the Dev Anand—Nutan starrer, Paying Guest. “O deewana Mastana” and “Chod do aanchal zamana kya kahega” spring to mind after all these years with all their freshness and zing.

O.P. Nayyar had an unusual sense of melody, part Punjabi folk and part raga-based in its inspiration: this coupled with his pulsating rhythm section of tabla, dholak and occasionally, western drums, gave to many of his compositions a distinctive personality. Even when he cogged melodies from the West, eg., “Hun abhi mein jawan” sung by Geeta Dutt from Aar Paar that got its mukhda or introduction from “Put the blame on me” from Gilda, a Rita Hayworth hit from Hollywood directed by Charles Vidor. The Antara clearly had Nayyar’s distinctive touch.

Asha Bhosle, and before her Geeta Dutt, had voices most suitable to his work. Much as he had admired Lata Mangeshkar’s artistry, he found her voice to be too thin for his kind of music. Asha’s voice was very flexible, had a dark, sensual colour and was responsive to lyrics to express many moods and experiences. Nayyar understood perceptively both Asha Bhosle the woman, as well as the singer who brought his compositions to life. Until they parted in amidst much acrimony, they had literally been a perfect pair of lovers for twelve years.

Asha Bhosle, a mother of three, had been unhappily married to a man of uncertain profession, Ganpatrao Bhosle, from 1949 to ’60. He died in 1966, supposedly in a taxi. O.P. Nayyar, had married Saroj Mohini when he was seventeen and she, fifteen. They had four children together. He shot to fame with “Preetam aan milo” that he composed as a teenager and was first recorded by C.H. Atma as a non-film song. On discovering Asha Bhosle, he found his muse, and the perfect female voice for his songs. Their problematic marital status as separate individuals did not prevent them from living together in a beautifully furnished flat on Worli sea-face in Bombay.

When they parted in 1972, they had recorded for the film Pran Jaye Per Vachan Na Jaye, “Chaen se humko kabhi aap ne jeene na diya”. It was a masterly composition rendered by Asha with unfettered emotion, which, in effect, also summed up the cause of their parting. O.P. Nayyar could not find another female voice to replace her and his career faded away rapidly. He observed ruefully later, “I put all my eggs in one basket.”  He regretted having side-lined a singular talent like Geeta Dutt. Asha went from success to success over the next three decades and married Rahul Dev Burman, the gifted composer son of S.D. Burman.

This digression was necessary while discussing the life of Asha Bhosle, an unusually gifted singer and a feisty woman who has navigated with unusual grit and skill through all the ups and downs in her turbulent life. For the record her depressive daughter Varsha committed suicide in 2012 and son Hemant, a composer, died of Cancer in 2015 in Scotland. Asha continues to fight on with every fibre of her being.

As late as 2001, when she sang, “Radha kaise na jaley” for A.R. Rehman in Amir Khan’s, Lagaan, Asha had retained the spring,   and melody in her voice, which by then had become ever so slightly girlish. She could render fast taans (there are a couple of instances in this song) with ease and accuracy. No mean achievement for a singer in her late sixties.

She is believed to have sung Ten thousand songs in eight hundred films. One can only talk of one’s favourites and there are very many. There are the three from the Ashok Kumar starrer, Kalpana, (composer O.P. Nayyar), namely, “Phir bhi dil heye beqaraar”,  “O ji sawan mein bhi… ”, “Beqasi hudh se jab guzar jaye”. Completely different from each other, revealing the amazing malleability of her voice, its unique melody and the sure grasp of evanescent emotion. There is the other haunting song, from Raagini, also composed by O.P. Nayyar, “Chota saa baalma” in Raga Tilang. There are a host of other Nayyar compositions as well.

“Jaaiye aap kahan jaayengi” (Film: Mera Sanam), “Meri nazrein haseen” (Ek Musafir Ek Haseena); ‘’Aaj meiney jana mera dil heye diwani’’ (Farishta),  “Aaj koi pyaar se” (Sawan ki Ghata); “Yehi wo jaga heye” (Ye Raat Phir Na Ayegi); “Puchho na hamein hum unke liye”, (Mitti Main Sona), ‘’Aao huzoor tumko sitaron mein le chalun’’ (Kismat), and a song picturised on the ‘bad girl’ in a given film, “Ye heye reshmi zulfon ka andhera na ghabraeye ….” (Mere Sanam).    

The duets that she sang for S.D. Burman with Kishore Kumar in Nau Do Gyaara, “Aankhon mein kya jee”, her own solo, “Dhalki jae chunariya…” and the two duets with Mohammad Rafi, “aaja panchi akela heye” and “Kali ke roop mein chali ho dhoop main…” certainly are memorable as are the three from Ek Musafir Ek Haseena: “Main pyaar ka rahi hoon”; “aap yun hi agar humse milte rahe”; “Jawani yaar man turki”, and two others from Kashmir ki Kali—“Isharon isharon mein” and “Deewana hua badal”, both composed by O.P. Nayyar and yet another duet with the marvellous Mohhamad Rafi ,’’Phir milogi kabhi…’’ from Ye Raat Phir Na Ayegi,and, much earlier a mesmerising duet from Phagun, ‘’Main soya akhiya meechey’’.

Khayyam is the other composer who brought the best in Asha’s multifarious musical personality. Two duets from Ramesh Sehgal’s Phir Subah Hogi: “Who subah kabhi to aayegi”, and “Yun na keeje meri gustakh nighahi ka gila”, both with Mukesh, have attained immortality. Her solos in Muzzafar Ali’s Umrao Jaan bring out her astonishing vocal range, the flexibility and soz (poignance) in her voice. Her songs for the tawaif (singing courtesan) Umrao in this period piece set in mid-19th century Lucknow, stay in the memory. “Dil cheez kya heye aap meri jaan lijiye”; “justu jiski thi”, “Ye kya jagah heye doston” are amongst the finest songs composed in the annals of the Golden Age of Hindi film music. Asha’s singing fitted Rekha’s vulnerable  screen-personality perfectly, just as her elder sister Lata’s did on Meena Kumari playing Sahib Jaan in  Kamal Amrohi’s, Pakeeza.

If this article is a shade too subjective, well… it is. While having enormous respect for Lata Mangeshkar’s peerless tonal quality at her peak that lasted for thirty or so years, one could never understand her well-nigh ‘abstract’ handling of emotion in her songs, as if any hint of sensuality in them would disqualify her from being a great artiste. Asha Bhosle’s singing was uninhibited, earthy, intrinsically musical and very much to be felt with one’s entire being. That is why one remains enamoured of Asha Bhosle’s singing.

Somehow, she continues to be in the limelight not just for her delectable music. At the recently concluded World Cup Final played at the Narendra Modi Stadium in Ahmedabad, India was pitted against Australia in the 50-over Cricket tournament. India lost, after giving great hope to an enormous, completely partisan home crowd. Asha Bhosle, a die-hard cricket fan, like her late sister, Lata, was seated between BCCI President Jay Shah and Sharukh Khan, the superstar of Hindi cinema. An ND TV video, shows Sharukh take Ashaji’s empty coffee cup, despite her reluctance, and hand it over to one of the cleaning staff.  A viewer remarked,’’It was the only heart-warming gesture in the whole match.’’ Asha Bhosle’s charisma cuts through generations and inspires them to acts of gallantry.